CARLOS GRANADA ARANGO-ANALISIS FINAL

Por: Juan Carlos Alzate Fernández
Cód: 1.112.768.133
Representación Simbólica
U.C.P.R

¨ Nacido en Honda, Tolima, en 1933, el pintor colombiano, realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional en Bogotá. Su trayectoria artística ha explorado la manifestación de los problemas colombianos y ha llegado a centrarse en el descubrimiento y desarrollo de un estilo impresionista, en el que se adentra en lo típico dentro de un plano filosófico
¨ En 1963 Granada tuvo un importante año en la exposición de su trabajo. Expuso 24 dibujos con el título “La violencia” en la Biblioteca Nacional. También se hizo presente en la galería “Arte Moderno” 7 óleos, entre ellos “La matanza de los inocentes”, “Flores para un niño blanco”, “segunda transfiguración” y “Muerte y transfiguración”. Posteriormente fue nombrado, en este mismo año, profesor de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
¨ En 1964 expuso 20 cuadros en “El callejón” de Bogotá, en los que trataba temas de la violencia colombiana. En este mismo año mostró su obra también en la galería “La Escuela” de Barranquilla y participó en el IV Festival de Arte de Cali.
¨ La obra pictórica de este autor se desarrolla hasta la década de los años 80 y su estilo y temáticas se depuran y consagran con el paso de los años
Análisis de sus obras

ANALISIS DE LAS OBRAS DE GRANADA

Éste pintor colombiano tiene una peculiaridad en sus obras, las figuras se observan llenas de oscuridad, tristeza, temor, fraccionadas y donde el deseo ha sido amarrado por lo que allí sucede hasta el punto de no tener sueños y verse destruida la cara de significación de las figuras. Aquel lugar que rodea a las figuras es un espacio estático, ya que los toques que el artista le ha dado al fondo del lienzo refleja un cansancio emocional por (la vida, la civilización y la esperanza) factores que se hicieron comunes en ese periodo de creación por los acontecimientos socioculturales de la época.

Otro factor para observar, es que sus líneas son hechas con fuerza en las obras y esto denota que el artista creó inconscientemente un vinculo muy cercano y directo con la construcción que pudo verse expresada como el deseo de reducir la destrucción y el aplastamiento de los inocentes y así comenzar a ver estos cuadros como una pequeña fuerza revolucionaria no directa
¨ Un punto clave en la obra de este artista es que sus creaciones no están lejos de cada individuo, ya que como es algo tan cercano que está pasando, el espectador se vuelve protagonista de la obra de Granada, ya que puede ver en los lienzos, cómo el sujeto ahí expuesto es un ente de lo cotidiano, igual que él mismo.

¨ Lo que más llama la atención, es que estas obras evidencian una realidad interior que sucede en el país, es una demostración palpable de un sufrimiento colectivo, además deja expuesto al artista de una forma total, ya que Carlos Granada manifiesta su soledad en estos trazos y la expone como autentica y más que eso se observa ahí un proceso de comprensión del contexto nacional, pues enriquece sus creaciones con signos de interpretación local que Ayuden al espectador a entender este drama.

GLOSARIO DE TÉRMINOS (Carlos Federico Augusto Valencia Murillo)

1. Pensamiento Primitivo: Las primeras aproximaciones que se hicieron sobre los eventos de la cotidianidad representadas en escenas concretas que dan cuenta de elementos que anteceden a cualquier construcción simbólica: imágenes.
2. Cientificismo: Tendencia a explicar cualquier estatuto humano desde lo medible y lo cuantificable, desde lo observable y lo cuantitativo, es decir, basándose en el método científico, y de la misma excluyendo aquellos eventos y sucesos que fueran no objetivos, es decir, subjetivo, por lo tanto se excluyen procesos psicológicos.
3. Ahistoricidad: Vuelta sobre las fuentes más primarias del estado humano, es un retraimiento sobre las facultades representativas del sujeto con respecto a su facultad de simbolizarse y simbolizar el mundo.
4. Exótico: Entendido como nuevo redimensionar la participación de la cultura que se designa bajo este adjetivo teniendo en cuenta que las particularidades de sus historias particulares, terminarían permeando la historia como concepto general de todos los pueblos
5. Nobleza: importancia que el simbolismo tiene para el pensamiento arcaico, y a la vez su coherencia intrínseca, su validez.

6. Mítico: entendido como aquello que esta permeado por aquello que ha sido simbolizado, es decir, lo mítico no es más que el producto de un proceso de simbolización, llevado a cabo para dar espacio y vida a aquellas cosas que carecen de representación por sí mismas.

7. Traducir: Proceso por el cual se traslada una significación de lo abstracto a lo concreto.

8. Imagen: Elemento que anuda las representaciones concretas con las significaciones abstractas de aquello que es representado. Es el puente que une aquello que se ve de las cosas, con aquello que se sabe y percibe de ellas.

9. Imaginación: es disfrutar de una riqueza interior de un flujo de imágenes ininterrumpido y espontáneo, entendido esto también como la capacidad de reproducción en secuencia de significantes y significados

10. Cristianismo y Comunismo: Son doctrinas de salvación que aprehenden de los mitos y símbolos humanos.

POR: JUAN CARLOS ALZATE

UNIVERSIDAD CATOLICA

REPRESENTACION SIMBOLICA

Entender el pensamiento creacionista de los artistas colombianos, es lo que este breve ensayo se ocupará, ver cómo ellos poseían un lenguaje visual y un tratamiento de la figura humana totalmente diferente y podremos observar que acorde a su época fueron un complemento cada uno y plasmaron el pasado juntos a través de lienzos y gráficos que dejaron forjado en la memoria de las personas que consumieron sus productos.

A principios del 1940, los desarrollos expresivos se unieron con los sentimientos evocativos y reunieron elementos del cubismo para desarrollar aquellas obras que los artistas deseaban que fueran de gran impacto para la sociedad.
Lienzo distorsionados, trazos leves y oscuros fueron lo que construyeron cada una de aquellos pensamientos negativos que veían derrumbar la nación. Colores fríos que evocaban tristeza dejaron en claro que la patria que los vio nacer se estaba desintegrando como un copo de nieva al cual los rayos del sol derrite sin piedad.
Crearon nuevos patrones, los cuales dejaban ver sus preocupaciones por ese ser individual que deseaba un lugar a salvo de las tiranías de los partidos políticos que no zaceaban la sangre de muerte, por medio de aquellos sufrimientos vividos diariamente y que veían impactados.
Se preguntaban por el ser colectivo, ese sujeto que concatenaba todo un país, que juntos deberían batallar para cambiar las cosas y que en cambio sólo se unían para causar dolor y miseria a quien los rodeaba.
Entonces fue allí cuando aquellos artistas decidieron dejar en claro a toda la población que se encontraba desentendida por que no le había sucedido nada y sus hijos no eran mutilados, que la realidad estaba en sus narices y que aunque no fuera propia estaba muy cercana a sus puertas.
De ahí, que los artistas militantes de la época comenzaran a dejar su huella de un modo indexico, capaz de dejar en un lienzo o una fotografía la realidad existente y vivida por algunos, pero no tal y como era, para que aquellos de la sociedad que se sentía poco vinculados analizaran y comenzaran a pensar de una forma analítica y de esta forma comenzaran a representar lo que realmente pasaba en ese momento.

Por lo tanto su preocupación se centra en ese momento en entender su contexto sociocultural y no solo de interpretarlo, sino de plasmarlo y de hacer que las personas sientas ese dolor no como algo ajeno a ellos, sino como algo que está ahí cerca y que cuando llega destruye a todas las personas que los rodean. De esta forma comenzaron a observar que aquellas formas locales de tristeza no solo afectaban a su país, sino que podían construir mensajes masivos desde sus obras y que de ese modo su misión dejara atrás aquellos pensamientos que los ataban y sus nuevas construcción se llenaron de significados universales que expresaban, no la angustia de una nación, sino de unos seres humanos iguales a todos los del planeta y que lo único que deseaban era dejar de ver morir a sus seres queridos.
Desde ese entonces la figura humana cambió, comenzaron a ver que no solo el país se disolvía, sino que el hombre mismo se encargo de banalizar la violencia hacerse tolerante a ella, convivir diariamente con el monstruo que les quitaba todo aquellos que amaban y fue así como surgieron propuestas nuevas como desintegrar a los sujetos, crear figuras casi que a retazos y con un significado, una construcción de un ser que ya no estaba pleno sino lleno de pedazos vacios y que se configuraba a si mismo en el marco de la crueldad.
Con obras casi eróticas en el que el tiempo y el espacio no encajaba trataron de despertar a los ciudadanos y una vez mas cambiaron su forma de ver la realidad, sus nuevas construcciones partían de elementos cotidianos que evocaban muerte que estaban relacionados con aquellas masacres que veían y que en su interior pensaron que tal vez haría revivir la sensibilidad del espectador, que era un ente distante que consumía la creación, pero no la comprendía como mensaje social.

Así, fue como crearon lentamente receptáculos de experiencias, aquellos objetos, artículos que hablaban por si solos de la inhumanización vivida en los años 1980 en Colombia.
fue de esa manera como fueron concluyendo, en el año de 1990 pensaron que tal vez todos los elementos debían contar algo, hacer que ese espectador sacudiera su cabeza y se preguntara por todo lo vinculado a esa obra, desde el espacio en que se encontraba, hasta la intencionalidad y pensamiento reciente del artista que la había plasmado.
De esta forma, fue como el artista colombiano evolucionó, transformó sus creaciones, su forma de ver la figura, de entender el contexto, de transmitir mensajes, ya que vio en cada producto que pensaba la posibilidad de generar creaciones que relacionaran el arte, la acción social y ese sentido colectivo que se había perdido, para hacer que los procesos de décadas de dolor pudieran cambiar en la nación que los vio crecer.

Interpretación en las obra de Núñez

Antonio Núñez

Por: Juan Carlos Alzate
Universidad Católica de Pereira
Representación simbólica

Nació en la Habana, Cuba donde se graduó de la Escuela Nacional de Diseño poco antes de emigrar hacia los Estados Unidos en 1980. Ha estudiado con prestigiosos maestros como Baruj Salinas y Yovani Bauta. Su obra es bien conocida entre los coleccionistas de Miami y ha exhibido en esta ciudad y también a nivel internacional. Vive en la actualidad entre Miami y Paris

Interpretación en las obra de Núñez

Éste simbolista a través de sus obras nos muestra la inquietud e interés por el cuerpo humano, más exactamente por el torso y cómo se encuentra compuesto.

Además de estos ítems, refleja en cada una de sus obras una meticulosidad en su dibujo, nos enseña con cuanta minuciosidad se elaboro la pintura para que cada trazo diaria significado y sentido a lo que allí se ve plasmado.

Sin importar el cuadro, él juega con la iluminación y el color, para generar una atmosfera adecuada e influir en la interpretación. Los colores predominantes en sus obras son el azul y el rojo que nos llena de explicaciones para cada uno de los elementos que él configura.

El rojo, es el color dominante sin importar la etapa de creación de las obras y es símbolo de personalidad extrovertida, que vive hacia afuera, tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja llevar por el impulso, más que por la reflexión, también este color se puede ver rodeado en la mayoría de sus cuadros por negro que sugiere dolor, dominio y tiranía y que pudo estar vinculo a una etapa de creación en la vida del simbolista.
El azul está en menor medida, pero no es menos importante, pues denota la sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, verdad eterna e inmortalidad. También significa descanso y en algunas ocasiones se observa que se funde con el negro que es un color muy utilizado en sus creaciones y que junto a esta tonalidad fría significa desesperación, fanatismo e intolerancia, por lo cual muestra que este artista a tenido altibajos en su vida y al exhibir esta 5 obrasen simultaneo podemos dar cuenta de una serie de sucesos que marcaron las creaciones de Antonio Núñez.

El contenido de sus obras está bañado por la interpretación que cada individuo le haga, ya que Núñez logra elaborar pinturas que no poseen una sola definición, sino que están abiertas a múltiples significados y esto en sí es el principio del simbolismo, pues la pintura no está supeditada a la realidad sino que desea reflejar la subjetividad vivida por el artista y que tal vez se puede evidenciar en los colores o en la forma humana que Antonio le da a cada imagen. Su técnica hace que resalte los colores que los convierta en formas oníricas que evocan sus sueños y preocupaciones y que estén conectadas principalmente con su privacidad y que esta técnica allí elaborada sea una forma de mostrar sus problemas o comentar sobre situaciones que le han sucedido de una forma subliminal.

No hay un elemento que destaque y que sea la obra en sí, pues todo el contenido que él plasma en cada cuadro van configurando el significado que los observadores hacen y de está forma se logra demostrar esto en sus pinceladas curvas que nos remiten a la angustia y el desconsuelo que pudo ser el desencadenante para la creación de aquello que estamos viendo, pues su autor construyo no sólo una obra, sino una forma de ser entendido que no está anclado a ningún contexto, sino a la capacidad de interpretación que cada espectador posea para hallar esas expresiones visuales y la experiencia emocional que el artista tardo en plasmar en su lienzo.

Leonardo Da Vinci "Leda y el cisne"

Por: ANDRÉS M. MONCADA R.



Leonardo Da Vinci

Nació en 1452 en la Villa Toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina y de Ser Piero, un rico notario florentino. Tuvo 11 hermanos por pare de su padre, con los cuales tuvo problemas por la herencia que este dejo. A temprana edad manifestó gran curiosidad por animales mitológicos los cuales por medio de su imaginación creaba, guiado por la observacio del contecto en el que se encontraba. Su primera creación fue un escudo de Medusa con dragones.Al cumplir los catorce años de edad, su padre al ser consiente del gran talento de Leonardo, lo ingreso como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio donde aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística.
Su primer creación luego de seis años de aprendizaje en el taller fue la elaboración de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa Maria dei Fiori.

La obra que escogi de Leonardo da Vinci es Leda y el cisne, dicha obra fue realizada en el periodo 1510 – 1515, representa a Leda, reina de Esparta y Zeus convertido en cisne. Este es al parecer el único desnudo que da vinci realizó, esta obra fue tan important que fue elemento de inspiración para otros artistas los cuales crearon obras muy parecidas, una de estas es Leda col cigno creada por Peter Paul Rubens.

Glosario

Por: ANDRÉS M. MONCADA R.

Yoguis: Asceta hindú adepto al sistema filosófico del yoga.
Persona que practica habitualmente el ejercicio físico y mental del yoga, los yoguis consiguen una gran concentración y un profundo control de la respiración y de los sentidos, intentan alcanzar la perfección espiritual.

Peregrinos: persona que viaja por tierras extrañas para visitar un lugar sagrado, generalmente andando, por motivos religiosos.

Mito: relato falso con sentido oculto, narración, discurso, palabra emotiva. Se refiere a un relato que tiene una explicación o simbología muy profunda para una cultura en el cual se presenta una explicación divina del origen, existencia y desarrollo de una civilización.
Se considera un mito como un tipo de creencia establecida, habitualmente a través de varias generaciones, con relación a ciertos hechos improbables y sorprendentes que, de acuerdo al mito, han sucedido en la realidad, los cuales no son posibles de ser verificados de manera objetiva. Pero incluso los hechos históricos pueden servir como mitos si son importantes para una cultura determinad.

Símbolo: signo que toma como representación de otra, en virtud de alguna analogía que, a nivel de los significados respectivos o cierto rasgo de los mismos, el entendimiento percibe entre ambas realidades
El símbolo es también la forma de exteriorizar un pensamiento o idea más o menos abstracta, así como el signo o medio de expresión al que se atribuye un significado convencional y en cuya génesis se encuentra la semejanza, real o imaginada, con lo significado.

Simbolismo: Movimiento artístico surgido hacia 1888 revela inquietudes místicas y ejerce una influencia limitada. Se funde con el arte nouveau Se ha definido el simbolismo como ideista, sintético, decorativo, subjetivo.
El simbolismo alcanza sólo esporádicamente la arquitectura, en la figura de Gaudi y la escultura. Se manifiesta más bien en la pintura donde combina aspectos ideológicos y metodológicos.

Arcaico: era geológica más antigua que abarca el periodo que media entre la formación de la tierra y la aparición de los primeros seres vivos de los que se han hallado restos fósiles.

Cristianismo: religión monoteísta de orígenes semíticos que se basa en el reconocimiento de Jesús de Nazaret como su fundador y figura central. Sus seguidores creen que Jesús es el hijo de Dios, así como el Mesías profetizado en el Antiguo Testamento, muriendo en redención de los pecados del género humano, y resucitando después de su muerte.

Nazis: es la contracción de la palabra alemana National sozialistische, que significa nacionalsocialista, y hace referencia a todo lo relacionado con el régimen que gobernó Alemán.
Fue un término acuñado por el ministro de propaganda del régimen alemán Joseph Goebbels, que lo usó durante uno de sus discursos para referirse a los miembros de su partido.

Fantasía: facultad de la mente para reproducir en imágenes cosas inexistentes o idealizar las reales.

Libido: significa deseo sexual, la conducta sexual y también es identificada como energía psíquica, fisiológica y emocional, energía asociada a la conducta sexual. Sigmund Freud vio la libido vinculada no sólo con el deseo sexual, sino con todas las actividades constructivas humanas-

Templo: designa un edificio sagrado. En su origen, designaba la zona del cielo que el augur utilizaba para contemplar qué aves la atravesaban y en qué sentido, estableciendo así los augurios.

Mándala: son diagramas o representaciones esquemáticas y simbólicas del macrocosmos y los microcosmos, utilizados en el budismo y el hinduismo. Estructuralmente, el espacio sagrado (el centro del universo y soporte de concentración), es generalmente representado como un círculo inscrito dentro de una forma cuadrangular.

Parsifal:es una ópera de Richard Wagner inspirada en la leyenda artúrica del Santo Grial. Para salvar al Rey de una grave enfermedad Parsifal debe recuperar el Grial de manos del mago traidor Klingsor y sus bellas huríes. La victoria de Parsifal se debe a que renuncia a la tentación del placer carnal, a su autarquía y ascetismo.

Ideología: es un sistema de creencias basadas en una cosmovisión particular. La ideología es algo que expresamos, manifestamos y hasta gritamos con cada acto cotidiano de nuestra vida y no necesariamente con la retórica que demostremos en un momento determinado.

Epifanías: Para muchas culturas las epifanías corresponden a revelaciones o apariciones en donde los chamanes, médicos brujos u oráculos interpretaban visiones más allá de este mundo. Es también una fiesta religiosa cristiana en la que Jesús toma una presencia humana en la tierra, es decir Jesús se da a conocer.

La virgen de las Rocas (Da Vinci) Carlos Federico Augusto Valencia Murillo

Es importante denotar que las obras pictóricas que tienen un contenido, por lo menos a primera vista, religioso, guardan al interior de las mismas una serie de significaciones que hacen parte de la estructura de interpretaciones, percepciones y sentires del autor, es decir, la obras más allá de ser el resultado de un trabajo técnico, artístico, e individualizado, son también producto de las concepciones que el autor genera del mundo y de los elementos que toma del mismo para ser plasmados a fuerza de lienzo y pincel.

Da vinci en su obra La virgen de las rocas, obra de la cual existen dos ejemplares hehcos con la misma técnica, pero con ciertas diferencias en su conficguración, deja entrever una perspectiva muy propia de Da Vinci con respecto a la divinidad, la figura femenina, la pureza y los elementos relativos a la misma, descritos de la siguiente manera:

1. Las formas andróginas en su obra pueden representar la dualidad del género humano, y de la misma manera la incertudimbre que genera pensar en la divinidad

2. Lo lejano del firmamento claro evidencia claramente la distancia que se piensa existente entre la divinidad y el hombre.

3. La mirada al vacío no contempla nada de lo terrenal en la obra, es decir la mirada se vuelca sobre lo abstracto que implica pensar en la divinidad

4. La la presencia del agua cerca de la imagen de la virgen refleja la pureza que a ésta se le otorga no solo por su condición divinizada de virgen, sino también por su condición necesariamente femenina.

5. Es de recalcar que el unico elemento que establece contacto con otro presente en la obra, está a los pies de la figura central, la representación de la pureza de la divinidad, de igual manera dicha figura representa otro tipo de pureza,de la cual solo es poseedora el infante que observa al otro del lado contrario.

6. Un elemento paradógico es que la escena esta rodeada de naturaleza árida, rocas y poca vegetación, dando a entender que el precio a pagar por la pureza es la infertilidad, que la creación de la vida solo puede hacerse al interior de la misma divinidad.

7. Se observa cierta melancolía en la totalidad de la obra recordando que eso divino hace de lo humano algo incompleto y en búsqueda constante.

8. La mirada hacia el firmamento de uno de los elementos a los pies de la "divinidad" recuerda el regreso de las búsquedas humanas a aquello que se esconda bajo la infinitud del firmamento.

Melissa Zuluaga Giraldo
Comunicación Social-periodismo
VII semestre

¿Qué es el símbolo?
Los símbolos son en mi concento, una característica de algo; una concepción creada por el hombre para significar sus pensamientos.
Es la forma de representar algo; los símbolos nos permiten dar a conocer pensamientos o ideas, y de esta forma socializarlos.

Simbolismo, pintura simbólica
Por: Melissa Zuluaga Giraldo



Simbolismo, pintura simbólica
Por: Melissa Zuluaga Giraldo


Puvis de Chavannes (1824-1898)

(Lyon, 1824-París, 1898) Pintor francés. Comenzó realizando pequeños encargos a cambio de sumas modestas y acabó por convertirse en un pintor de enorme prestigio, al que se le encomendaron las principales decoraciones murales de su tiempo, por ejemplo para La Sorbona, el Panteón y el Ayuntamiento de París. Sus obras para estas instituciones son lienzos de grandes dimensiones que intentan imitar el efecto del fresco a través de un cromatismo diáfano e irreal. Aunque sus representaciones alegóricas e idealizadas no gozan de excesiva aceptación en la actualidad, sus formas simplificadas y su falta de profundidad espacial ejercieron una gran influencia en los postimpresionistas y en los simbolistas, de quienes se considera un precursor.
Chavannes buscaba plasmar en sus obras, equilibrio y tranquilidad; Es por eso que además de una simple imagen, deseaba transmitir ideas y sensaciones, manteniendo su tendencia de calma y sosiego.
El pintor francés, cuenta con innumerables obras entre las que se destacan:
El verano
El degüello de Juan Bautista, entre otras que despiertan variedad de sentimientos e impresiones, ya que las expresiones de los personajes, el color de las imágenes, y la naturalidad plasmada en la obras, son muestra fiel de la realidad.

Simboliza la paz y la esperanza, y aunque muchas de sus obras reflejan pobreza y dolor, nunca pierden el sentido, pues mantienen la idea de calma hasta en las situaciones aparentemente difíciles.

Su técnica favorita es el óleo sobre lienzo, pero con una característica que lo hace muy especial, que es la de simular el fresco. Organizaba las obras sobre telas de gran formato que luego encolaba a las paredes. Sus temas están inspirados en mitología, historia y literatura.


Sus obras presentan una atmósfera de quietud.

Las pinturas Chavanneses son muestra de sensibilidad, capacidad de asombro, facilidad para detallar, creatividad y sobre todo, símbolo de nobleza y amor por las artes y la historia.



El pobre pescador
El pescador del cuadro es una de las figuras que más sentimientos de compasión han despertado a lo largo de la Historia del Arte.

Dolor
El cuadro transmite un silencio sobrecogedor y sus colores apagados contribuyen a reforzar la empatía.
Desolación

Tomando como asunto el pescador, tema bíblico por excelencia, la pintura nos remite a un medievalismo donde el directo mensaje de la sencillez.


Humildad y desconsuelo
La obra refleja la máxima expresión de la miseria, y la simplicidad.

Pobreza
El ambiente grisáceo que crea y los colores oscuros que crean un ambiente desdichado, es una de las características principales de este estilo. En este cuadro se ve perfectamente como ese tono apagado domina los colores de toda la obra, excepto quizás en los del niño y su ropa roja.
Son muchas las interpretaciones que se tejen alrededor de esta pintura, pero todas transmiten la misma sensación, esa que Chavannes quiso reflejar al poner un niño tirado en el suelo, a su madre llorando y con una sensación de impotencia, y a un hombre que no consigue pescar y que muy probablemente sea el padre de la criatura.
Es un posible caso de muerte por hambre y una culpabilidad por no lograr salvarle la vida a un inocente.
Un creador innato y un líder en su profesión, así fue Pierre Puvis de Chavannes.

El hexagrama, es una estrella de seis puntas formada por dos triángulos equiláteros superpuestos o entrelazados; la hallamos sobre todo en el judaísmo, el cristianismo y el Islam, aunque puede señalarse que procede del yantra hindú.
A este símbolo suele confundírsele con la estrella de David, ya que posee también seis puntas, pero con la diferencia de que esta, se encuentra encerrada en un circulo.

La Estrella de David es símbolo de la fe judaica y emblema nacional del estado de Israel, y algunos estudiosos ven en ella la unión de los aspectos personales e impersonales y también los principios masculino y femenino.
Por su parte al Hexagrama se le han atribuido interpretaciones como de los dos mundos, el visible y el invisible; en el hinduismo la unión del lingam y el yoni.

Melissa Zuluaga Giraldo

La Esfinge de Giza/Arte Egipcio
Por: Melissa Zuluaga Giraldo

El vigilante padre del terror

La Esfinge de Giza es una monumental estatua que se encuentra en la ribera occidental del río Nilo, unos veinte kilómetros al sudoeste del centro de El Cairo. Mide 73 metros de largo por 20 de alto y 14 de alto. Se realizó esculpiendo un montículo de roca caliza existente en el lugar.
Este monumento ha sido símbolo de veneración y culto especialmente durante el imperio nuevo, incluso formó parte del complejo funerario del rey durante la dinastía IV de Egipto.
Al igual que las grandes pirámides tiene una orientación determinada, mira hacia el este, hacia el lugar por donde sale el sol, hecho que está relacionado con las creencias religiosas y de ultratumba de los antiguos egipcios.
Los habitantes del lugar la llamaban Abu el-Hol “Padre del Terror”, corrupción de la expresión copta bel-hit, que se aplica a quien pone toda su inteligencia en los ojos y que traduce la denominación egipcia hu o ju que significa el guardián o vigilante.
Además, fue identificada con el dios extranjero Horum, y con el dios egipcio Horus como Hor-em-Ajet, o Harmajis, "Horus en el horizonte". En lengua árabe la denominaron Abu el-Hol "Padre del Terror". El epíteto dado por los egipcios a las esfinges era shesep-anj "imagen viviente".
Según con la mitología griega, la esfinge es un monstruo con cabeza y pechos de mujer, cuerpo de león y alas de ave que representaba la sabiduría, y quien según la leyenda, se subió en lo alto de una roca a la entrada de la ciudad griega de Tebas, y a cualquiera que intentaba entrar o salir le proponía un acertijo y al que no lo resolvía lo devoraba. Se dice que un día apareció un viajero quien respondió acertadamente, razón por la cual la esfinge, de la furia, se suicidó. Este personaje era Edipo, quien fue nombrado salvador de Tebas y se casó con la reina.
Sin embargo, los egipcios no conocían esta leyenda, pero relacionaban a algunas divinidades con cuerpo de león con la cabeza del rey para representar la fuerza y el coraje.
Entre los años 1.816 y 1.818 el Capitán Giovanni Battista Caviglia se encargó de desenterrar La Esfinge y los templos que la rodean. Su proximidad a la Pirámide de Kefren fue una razón más que suficiente para asociar su construcción a la figura de este faraón, defendiéndose incluso la idea de que el rostro de La Esfinge es la del propio Kefren (2.520-2.494 a.C.).
Son muchas las teorías que han permanecido inmunes hasta nuestros tiempos, como la del Faraón Tutmosis IV, quien según cuenta la leyenda, un día, cuando aún era príncipe, se posó cansado a la sombra de la cabeza de La Esfinge que sobresalía de la arena y se durmió y que de repente la Esfinge abrió la boca y le habló, diciéndole que era el Dios Harachte-Chepere-Ra-Atón, y que a cambio de desenterrarla le prometía entregarle la corona de Egipto, y hacerle poseedor de riquezas inimaginables.
La imagen de la Esfinge ha permitido a lo largo de los años, deleitar a los turistas, generar historias, capturar la atención de los geólogos, y alimentar el alma mítica de innumerables personajes, quienes además de la razón, creen en el subconsciente y en los personajes que proviene del mismo, contribuyendo así al sostenimiento de la historia egipcia, al enriquecimiento de su cultura, y a la promoción de diferentes prácticas.

Glosario de Términos/ Redescubrimiento del símbolo
Por: Melissa Zuluaga Giraldo

Mundo Exótico:
Símbolo: Cualidad otorgada a las cosas u objetos que responden a una necesidad de comunicación, llenando así una función.
Vida espiritual: Conjunto de símbolos, mitos e imágenes que pueden cambiar y variar con el tiempo, pero que no desaparecen.
Paraíso terrestre: El tiempo en el que no existían tantas normas y restricciones para el hombre, donde por decirlo de alguna manera era más libre.
Paraíso Oceánico: Tiempo en el cambiaron muchos aspectos del paraíso terrestre, generando mayor producción de imágenes, y por ende más interpretaciones objetivas de la realidad.
Pensar Simbólico: Característica del ser humano en general, que le permite significar la realidad y sus manifestaciones.
Inconsciente: Espacio mental o psicológico en el que habitan imágenes y pensamientos que giran alrededor de hadas, dioses, monstruos, entre otros.
Imagen: Es la forma de representar algo tal cual como es.
Imaginación: Forma de imitar modelos y conceptos que se reproducen a través de imágenes.
Empirismo: tendencia que considera la experiencia como norma de verdad en el conocimiento.
Racionalismo: concepto que identifica a la razón con el pensar
Positivismo: Corriente que afirma que el único conocimiento auténtico es el conocimiento científico.
Cientificismo: Término utilizado para designar a la corriente de pensamiento que acepta sólo las ciencias comprobables empíricamente como fuente de explicación de todo lo existente.

Análisis simbólico desde Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (1445 –1510),
apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista
italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo
el mecenazgo de Lorenzo de Médicis, fue considerado por
Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que
convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su
reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales
del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado
representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento
de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más
conocidas.

Palas y el Centauro

Representa la victoria de la castidad sobre la concupiscencia. En el vestido de Minerva,
diosa de la sabiduría, Botticelli coloca el escudo de la familia Médici. El centauro al
parecer irrumpió en un terreno vedado donde Minerva es la guardiana y lo ha
sorprendido. Minerva le sujeta por los cabellos impidiendo sus malas intencionesdado
que el centauro representa la concupiscencia. Por lo tanto la representación significa el triunfo de la castidad sobre la anterior nombrada. Aquí como en el cuadro de la Primavera se refleje la idea del amor como lo expresa Marsilio Ficino, filósofo de la corte de los Médici, que une las ideas platónicas con la fe cristiana obteniéndose una visión del mundo neoplatónico, el amor lo ve como un dualismo formado por el deseo corporal - mundano y el anhelo espiritual dirigido a Dios, que enfrenta a la contraposición entre sensualidad e intelectualidad, materia y espíritu. Ficino describió la vida ideal del hombre como una aspiración de la pasión sensual hacia el anhelo espiritual de la iluminación y la sabiduría de Dios. Botticelli ilustra de este modo el conocimiento "la iluminación divina"



JUAN CARLOS ALZATE
REPRESENTACION SIMBOLICA
UNIVERSIDAD CATOLICA

GUSTAVE MOREAU

Nació en París el 6 de abril de 1826, en el seno de una familia burguesa que no puso obstáculos a su vocación artística.
En 1838, Gustave comenzó su educación en el internado del Collège Rollin, pero por diferentes motivos debió abandonar dicha institución y proseguir su educación privadamente. En 1841 viajó con su madre y otros parientes a Italia, donde visitó varias ciudades, realizando varios esbozos de paisajes y de monumentos italianos.
En 1844, completados sus estudios de bachillerato, ingresó como discípulo en el taller de un pintor hoy olvidado, el académico François-Edouard Picot. En 1847 aprobó el examen de ingreso en la Real Escuela de Bellas Artes de París. Intentó por dos veces obtener el Premio Roma, pero fracasó, motivo por el cual decidió abandonar la Academia. Adoptó un nuevo maestro, el pintor Théodore Chassériau, antiguo discípulo de Ingres y de Delacroix, y conoció por esa misma época a Pierre Puvis de Chavannes, dos años mayor que él, con él que le unían no pocas afinidades.
En 1852, Moreau trasladó su taller al tercer piso de una casa que sus padres habían alquilado para él, en el número 14 de la calle La Rochefoucauld. Comenzó dedicándose a copiar obras de maestros en el Museo del Louvre, pero ese mismo año fue por primera vez admitido al Salón oficial, con una Pietà, y emprendió una destacable carrera como pintor académico. En 1855, en la Exposición Universal de París, exhibió su obra Los atenienses en el laberinto del Minotauro, junto a pintores tan reputados como Ingres, Delacroix, Rousseau y Courbet.
Entre 1857 y 1859 realizó un segundo viaje a Italia, visitando varias ciudades, y pintando copias de varios maestros italianos, como Miguel Ángel, Rafael, Veronés, Correggio y Carpaccio. A su regreso a París inició una relación amorosa con Alexandrine Dureux— "mi mejor y única amiga", según sus palabras —, que se prolongaría hasta la muerte de ella, en 1890.
Durante los años siguientes, prosiguió con relativo éxito su carrera como pintor, aunque sus poco habituales temas provocaron a veces reacciones encontradas. Se alistó voluntario al estallar la guerra francoprusiana, en 1870, pero debió ser licenciado a causa de sus fuertes ataques de reuma. Vivió con horror la derrota francesa y la época de la Comuna (18 de marzo - 20 de mayo de 1871), durante la cual los frescos de su amigo Chasseriau en la Cour des Comptes fueron destruidos por el fuego.
En los años siguientes se acentuó la misantropía del artista, golpeado por las muertes de su madre, en 1884, y de su amante, Alexandrine Dureux, en 1890. En 1891 sucedió a su amigo Elie Delaunay, tras su fallecimiento, como profesor en la Escuela de Bellas Artes de París. Desde 1891 hasta su muerte, Moreau fue profesor de varios futuros artistas, entre los que se cuentan pintores tan célebres como Henri Matisse, Albert Marquet y Georges Rouault, entre otros.
Falleció el 18 de abril de 1898, a los setenta y dos años de edad. Fue sepultado en el cementerio parisino de Montmartre. A su muerte dejó como legado su taller, que se convirtió en el museo Gustave Moreau, inaugurado el 13 de enero de 1903.
Características de sus obras.
La obra de Moreau está a caballo entre el Romanticismo y el Simbolismo. Aunque es frecuente incluir a Moreau en la nómina de los pintores simbolistas, su obra se anticipó en varias décadas a la proclamación oficial del movimiento por Jean Moréas en 1886.
En las primeras obras de Moreau son destacables las influencias de Ingres, en el tratamiento de la anatomía, especialmente masculina, y de Delacroix, en cuanto a la elección de temáticas exóticas, a través de su mentor Théodore Chassériau, quien había sido discípulo de ambos. Con el tiempo, la obra de Moreau va concediendo menor importancia a la línea y más al colorido. De su última etapa, se conserva en el museo Moreau una serie de acuarelas que la crítica contemporánea considera muy próximas a la abstracción.
El mundo de Moreau está poblado de adolescentes andróginos y mujeres fascinantes y perversas (como la Salomé de su cuadro La aparición, pero también Dalila o Deyanira), Muestra también una cierta predilección por lo monstruoso. Es patente su interés por lo oriental tanto en la elección de los temas como en la ambientación decadente de sus cuadros (Júpiter y Sémele, por ejemplo, evoca poderosamente el arte de la India).
No frecuentó mucho los temas cristianos, aunque en 1862 pintó, por encargo, un Via crucis para la iglesia de Notre-Dame-de-Decazeville. Sin embargo, dos temas de la iconografía cristiana son recurrentes en su obra: el de la Piedad y el de San Sebastián. Es destacable también Un cuadro religioso bastante tardío, La flor mística (hacia 1890), de carácter alegórico, en el que la flor de la Iglesia se alimenta de la sangre de los mártires.
Puede considerarse precursor del Simbolismo. Su influencia es decisiva en artistas emblemáticos del movimiento como Odilon Redon. Su obra posee una textura onírica que hizo que fuese revalorizada, ya en el siglo XX, por los surrealistas.
Aunque Moreau rechazó siempre ser un pintor literario, debe destacarse el impacto que su obra causó entre literatos tan relevantes como Théophile Gautier o J. K. Huysmans, entre muchos otros, atraídos por su estética simbolista y decadente. El protagonista de Al revés (À rebours), de Huysmans, Des Esseintes, encarnación del decadentismo, está fascinado por el arte de Moreau, y especialmente por el cuadro La aparición.
Algunas obras destacadas
• Edipo y la esfinge (1864). Óleo sobre lienzo. 206x105 cm. Nueva York, Metropolitan Museum of Art.
• Orfeo (1865) Óleo sobre tabla. 154x99,5 cm. París, Museo del Louvre.
• Diomedes devorado por sus caballos (1865). Óleo sobre lienzo. 138,5x84,5 cm. Ruán, Museo de Bellas Artes.
• Cabeza de Orfeo recogida por una joven (1866). Acuarela, 26x16 cm. París, Museo Moreau
• El rapto de Deyanira (1870-1875). Lápiz y pluma. 25x21 cm. París, Museo Moreu.
• La aparición (1874-1876). Acuarela sobre papel. 105x72 cm. París, Museo del Louvre.
• Salomé (1875). Acuarela. 37x25 cm. París, Museo Moreau.
• Hércules y la hidra de Lerna (1876). Óleo sobre lienzo. 175x153 cm. Chicago, Art Institute.
• Los unicornios (1885). Óleo sobre lienzo. 115x90 cm. París, Museo Moreau.
• Orfeo en la tumba de Eurídice (1890). Óleo sobre lienzo. 173x128 cm. París, Museo Moreau.
• La flor mística (1890). Óleo sobre lienzo. 253x137 cm. París, Museo Moreau.
Júpiter y Sémele (1894-1895). Óleo sobre lienzo. 212x118 cm. París, Museo Moreau

Inspirado por musas.

Hesíodo es un poeta griego del siglo VII a. C. Escribió dos obras importantes: Los trabajos y los días, donde describe la vida de los campesinos de su tiempo y enseña cuando ha de hacerse cada trabajo del campo; y la Teogonía donde habla de los dioses griegos.
Ya que sus creaciones estaban llenas de decoraciones mitológicas, Gustave quiso usar su imaginación para recrear el momento inspirador en que el poeta Hesíodo recibió la iluminación por parte de estas bellas mujeres y plasmo tal cual lo vio en su mente.
“Nunca antes el arte de la acuarela había alcanzado semejante brillantez de matiz; nunca antes la pobreza de los pigmentos químicos había podido depositar en el papel semejantes esplendores resplandecientes de piedras preciosas, semejantes matices brillantes como de cristales pintados, iluminados por el sol de mediodía, glorias tan asombrosas, tan deslumbradoras, de ricas vestiduras y ardientes tonos carnales”
J. K. Huysmans, À rebours

JUAN CARLOS ALZATE
REPRESENTACION SIMBOLICA
UNIVERSIDAD CATOLICA

Símbolo/ El Sol

Encontramos unión entre el símbolo del Sol y nuestra cultura, dada la relación que se hace al señalar que Jesús Cristo podría ser catalogado “el más reciente de los mesías solares”.

Por: Andrés Felipe Tejada P.

La disputa entre la oscuridad y la luz o dicho de otra forma, de bueno contra malo ha sido por siempre una de las disputas más reconocidas en diversas culturas y es a partir de esto que la imagen del sol se simboliza para convertirse en divinidad y poder dotarla de significados.

El culto al sol sigue en vigencia; aún sin darnos cuenta está presente en nuestro medio. Se halla su presencia en las imágenes católicas donde el sol se usa como una aureola en el mismo Jesucristo, algunas Vírgenes y Santos.